¿Por qué quise estudiar diseño gráfico?

Desde hace un par de años había decidido que quería ser artista. No médico, no abogada, no periodista, quería ser artista y dedicar cada segundo de mi vida a lo que más me gusta en el mundo. Cuando se lo dije a mis padres me dijeron lo que cualquier padre normal me hubiera dicho (serás pobre y te morirás de hambre, eso es para los locos, etc.), pero luego retomé la idea desde un aspecto diferente y con mayor probabilidad de laborar en el país, la carrera de Diseño Gráfico. Me parece que no hay pregunta que me gusta responder mas que ¿Por qué diseño gráfico? 

Nunca fui excepcionalmente mala en ninguna materia, de hecho tuve un promedio bastante considerable para nunca haberme esforzado de forma inhumana en mis clases, pero elegí esta carrera por la misma razón que todos eligieron la suya. Me pareció única y especial desde el momento en que escuche de ella. Cuando le pregunto a mis amigos por que eligieron querer ser ingenieros, dentistas, abogados, etc. Me dijeron que querían ayudar a la sociedad y al país, y me di cuenta de que si ayudamos a la sociedad a ver todo desde un punto que es solamente realista, la gente nunca se atreverá a soñar, nunca se atreverán a querer ser más que lo que nuestra sociedad les ha impuesto. El momento en que tuve todo claro fue cuando vi una imagen de Walt Disney World en un folleto de UNITEC, me hizo pensar en mis sueños y en los sueños de todos los niños a los que años después la sociedad les impondrá un estereotipo y tendrán que aceptarlo para encajar en una sociedad gris y descompuesta por la corrupción y la tristeza. 

Quiero hacer que los niños y jóvenes sueñen alto y en colores, quiero que piensen que pueden hacer lo que ellos y ellas deseen si en serio lo quieren. Quiero ser esa persona que con solo una imagen, un vídeo o un anuncio te pueda hacer sentir que tu vida vale y que tienes una infinidad de posibilidades sobre lo que puedes hacer con ella. Quiero volver feliz a las personas y recordarles a ese niño que ellos olvidan al volverse adultos. Quiero que el mundo vuelva a sentir amor en sus corazones soñadores.

Diseño Gráfico

El diseño gráfico es una profesión cuya actividad consiste en concebir, programar, proyectar y realizar comunicaciones visuales, producidas en general por medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos sociales y con objetivos claros y determinados. Esta actividad posibilita comunicar gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma y comunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnológicos. También se conoce con el nombre de diseño en comunicación visual, debido a que algunos asocian la palabra gráfico únicamente a la industria gráfica, y entienden que los mensajes visuales se canalizan a través de muchos medios de comunicación, y no solo los impresos.

Usualmente al diseño se le puede considerar arte, pues tiene los elementos para hacerlo, pero a diferencia del arte, el diseño es usualmente insuperable en su belleza. El diseño suele seguir tres elementos básicos que a su vez se relacionan con el propósito comunicativo del mismo, estos son:

• Un método: Para diseñar
• Un objetivo: Que comunicar
• Un campo visual

Aspectos básicos

Los elementos básicos que se deben dominar y tener en cuenta en cualquier diseño:

Lenguaje Visual: Saber comunicar el mensaje adecuado, con los recursos oportunos, dependiendo del grupo de personas o público al que vaya dirigido el mensaje.

Comunicación: Conocer los procesos de comunicación, para poder captar los mensajes que el diseño ha de comunicar.

Percepción Visual: Estar informados, la manera en que las personas vemos y percibimos lo que vemos. Aspectos tan importantes, como nuestro campo visual, el recorrido de la vista, el contraste, la percepción de las figuras, fondos, trayectoria de la luz.

Administración de recursos: Conocer todos los recursos de los que se dispone, y aplicarlos lo mejor posible.

El Arte en mi vida

Desde que tenía 5 años, siempre me pareció fascinante todo lo relacionado con el arte, supongo que mis padres pensaban que eso sucedía con todos los niños y niñas, pero yo en realidad recuerdo la emoción que sentía al tomar un lápiz y comenzar a hacer mis primeros bosquejos, una emoción plena que hoy en día me puede alegrar en cualquier momento.
Con el paso del tiempo y de apoyo por parte de mis maestros me comencé a interesar cada vez más por el dibujo y la pintura, perfeccionando mis trabajos y participando en concursos y trabajos ya fuese para mi colegio o para competencias en la famosa semana de la juventud del ISSM. 

Creo que honestamente es una de las actividades que me hacen sentir más viva y libre, con mis dibujos puedo hacer lo que yo quiera, ir donde desee y ser quien yo quiera. No hay complejos, no hay ataduras, no hay estereotipos, solo yo y mis colores. 
Creo que mi mayor inspiracion artística a nivel nacional desde la secundaria ha sido Santos Arzu Quioto, conocí su trabajo pues es maestro en el Instituto Salesiano San Miguel, un colegio con el cual siempre estuve relacionada de forma social y académica. 
Creo que si pudiera elegir que pintar por el resto de mi vida elegiría al arte abstracto, tan lleno de miles de interpretaciones para cada persona. Mi sueño como futura artista es poder hacer que las personas sientan algo extremamente profundo dentro de ellos cada vez que miren una de mis obras, no creo que haya nada que me pudiera hacer sentir mejor en esta vida.
Se que aún me falta muchísimo por aprender pero espero algún día hacerlos reír, llorar, o tan siquiera sonreír con una de mis obras. 
Gracias por leerme.

Santos Arzu

Nació en la ciudad de San Pedro Sula, Honduras en el año 1963. Es un artista autodidacta en Residencia en Michigan State University, Michigan, Estados Unidos; en La Villa de los Artistas” enTaipéi, República de China (Taiwán) y “Arts in the Basement” en Nueva Delhi, India.

Ha expuesto más de 20 proyectos individuales en Honduras, Estados Unidos, República Dominicana, Argentina, Perú, Colombia, Italia, China. Y en más de cuarenta muestras colectivas en Centroamérica, Sudáfrica, Puerto Rico, México, Cuba, Taiwán, Francia, España, Argentina, Chile, Estados Unidos, Brasil, Corea y otros países. 
Ha participado en varias bienales representando a Honduras, entre las principales están Venecia, Lima, Santo Domingo, Cuenca y del Istmo Centroamericano (Guatemala, Costa Rica y Nicaragua).
Entre los principales reconocimientos están: La Mención de Honor, Subasta latinoamericana, El Salvador. Subasta en Casa Christie’s, New York, EUA. Primer Premio en X Salón de Pintura, San Pedro Sula, Honduras. “Mención de Honor” Antología de Honduras. “Mención de Honor” I Bienal de Pintura del Istmo Centroamericano, Guatemala. “Medalla de Oro”, 3° Bienal del Caribe y Centroamérica República Dominicana. “Primer Premio” 15° Salón Nacional de Arte, Honduras. “Mejor Conjunto”, 2° Bienal del Caribe y Centroamérica, República Dominicana.
Ha sido invitado a conferencias y conversatorios en universidades y centros culturales en Honduras, Estados Unidos, el Caribe, América del Sur, Europa y Asia.

Su trabajo se ha logrado expandir a través de todo el globo y lo ha convertido en un artista internacionalmente reconocido, se le relaciona con el arte conceptual y labora actualmente como maestro en el Instituto Salesiano San Miguel de Tegucigalpa. 

Andy Warhol

¿Quién fue Andy Warhol?
 
Andy Warhol fue un artista plástico estadounidense. Nació en Pittsburgh, EE UU, en el año  1928. Era hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker. 

Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.

Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea.

 El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática Electric chair es una de sus obras más significativas.
Sus mayores  obras fueron:

• Marilyn Monroe
• Elvis Presley
• Elizabeth Taylor 
• Mao Tse-tung
• Electric Chair

 En 1963, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), de fuerte contenido sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt.

Arte del siglo XX

ARTE DEL SIGLO XX

El Arte del siglo XX comienza en el año 1863. Se divide en dos grandes etapas, la que comprende desde principio de Siglo XX hasta el año 1942 y una segunda que comprende desde el año 1942 hasta el fin del siglo, esta última etapa se inserta dentro del Arte Contemporáneo. Se incluyen en este siglo al Modernismo, Expresionismo, Surrealismo y Arte Abstracto. El nacimiento de estos importantes movimientos artísticos cambian el concepto de arte: lo que es el arte, y hasta lo que se considera o no obra de arte.

El arte en este tiempo estaba fuertemente influenciado por la política y la sociedad del momento. Se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se denominan ismos. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico.
El arte contemporáneo comienza cuando Manet pinta Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el modo de plantearlo causó escándalos.

  El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para las corrientes del siglo XX. 

¿Por qué surge el arte moderno? 

Este surge por sucesos como:

• Los grandes adelantos de la técnica, la Revolución Industrial y el progreso que moldearon la mentalidad del hombre a principios del siglo XX.
• La primera y segunda guerra mundial, contribuyeron al cambio. Cada cual trajo sus nuevas tendencias.
• Los filósofos aportan teorías reveladoras. Algunas vanguardias no pueden entenderse sin las bases filosóficas que las sustentaron. 

 La modernidad que aportó el Modernismo a fines del siglo XIX no era lo suficientemente brusca. Más brusco fue el cambio de los dos primeros ismos del siglo XX, el Fauvismo y el Expresionismo. 

Esta necesidad de cambio dio como resultado el surgimiento de corrientes artísticas como:

• Primeras Vanguardias
  • Fauvismo: El Fauvismo es un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se rechaza la existencia de un método riguroso, en pro de una libertad total ante la naturaleza. La primacía del color obliga a la forma a ser más expresiva que fiel a la realidad. El pintor fauve establece una patética comunión con la naturaleza, rechaza convencionalismos y descubre un lenguaje personal para alcanzar el máximo objetivo, la unión de arte y vida.Sus mayores exponentes fueron:
    • Matisse
    • André Derain
  • Expresionismo: Es un movimiento en que el objetivo es expresar las filias y fobias del ser humano. Para ello no se requiere de una buena técnica, ni siquiera de un resultado esteticamente bello. Lo importante es transmitir el sentimiento y la subjetividad. Su mayor exponente fue Munch.
  • Cubismo: Comienza en 1907 con el encuentro entre Picasso y Braque. Esta es una experiencia que constituye la base intelectual. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista. 
    • Picasso
    • Braque
    • Juan Gris
  • Dadaísmo: Se lucha contra todo lo preestablecido, de ahí que sus manifiestaciones se denominen antiartísticas. Nunca estuvo fundado en teoría alguna y que siempre fue una protesta, de ahí que también se le conozca bajo el nombre de arte de repulsa. Su objetivo era escandalizar a la burguesía. Destacan:
  •   Max Ernst.
  •  Raoul Hausmann y Hannah Höch
  •  Man Ray y Francis Picabia
  
  
  
  • Futurismo:  Los temas preferidos en pintura son la ciudad y figura humana en movimiento. Para expresar el movimiento es usual el repetir la misma imagen a modo de secuencia fílmica. A ello se le ha llamado simutaneísmo. Se usa la técnica del Divisionismo y una amplia gama de color. Aquí destacan:
   
• Carlo Carrá
• Umberto Boccioni
• Giacomo Balla

• • Surrealismo:  El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. Este sector recóndito del ser humano se considera apto para el análisis artístico. Representantes:
    • Dalí
    •  Goya 
     
  • Pintura Abstracta:  La abstracción es un leguaje no figurativo. De la realidad se toma lo esencial y se abstrae lo secundario.
• Segundas vanguardias: 
  • Op-Art:  Op-art es la abreviatura de "Optical-Art", se empleó por primera vez en 1964 en la revista Times. Se ha cuestionado si el arte óptico debe considerarse incluido en el ámbito del arte cinético. Sus mayores representantes fueron Víctor Vasarel, Jesús Rafael Soto y Bridget Riley.
  • Pop-Art:  Es un movimiento que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes y las imágenes son los elementos de los que se sirve.  Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes, y ajeno por completo a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Sus mayores representantes son Andy Warhol y Roy Lichtenstein.
    

Frida Kahlo

Magdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón, más conocida como Frida Kahlo, fue una pintora y poetisa de ascendencia alemana y española. Casada con el célebre muralista mexicano Diego Rivera, su vida estuvo cruzada por el infortunio de una enfermedad infantil y por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas.
Llevó una vida poco convencional, fue bisexual y entre sus amantes se encontraba León Trotski. Su obra pictórica gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de unas 200 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. La obra de Kahlo está influenciada por su esposo el reconocido pintor Diego Rivera, con el que compartió su gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del periodo post-revolucionario.

La vida de Frida estuvo marcada desde muy temprana edad por el sufrimiento físico y las enfermedades que padeció. El primero de estos infortunios consistió en una poliomielitis que contrajo en 1913, dando inicio a una serie de sucesivas enfermedades, lesiones diversas, accidentes y operaciones.

Accidente

El 17 de septiembre de 1925 sufrió un grave accidente cuando el bus en que ella viajaba fue arrollado por un tranvía, quedando aplastado contra un muro y completamente destruido. Regresaba de la escuela a casa, junto a Alejandro Gómez Arias, su novio de entonces. Su columna vertebral quedó fracturada en tres partes, sufriendo además fracturas en dos costillas, en la clavícula y tres en el hueso púbico. Su pierna derecha se fracturó en once partes, su pie derecho se dislocó, su hombro izquierdo se descoyuntó y un pasamanos la atravesó desde la cadera izquierda hasta salir por la vagina. Al respecto, Frida comentaba que habría sido esta la forma brutal en la que había perdido su virginidad. La medicina de su tiempo la atormentó con múltiples operaciones quirúrgicas (por lo menos 32 a lo largo de su vida), corsés de yeso y de distintos tipos, como asimismo diversos mecanismos de "estiramiento".

Obra

La importancia de su obra pictórica, la complejidad de su vida y su influencia en la cultura mexicana de la postrevolución, donde se gestó el movimiento muralista encabezado por su esposo, han sido muy estudiadas desde múltiples perspectivas y hay publicados muchos estudios críticos sobre ello. Su personalidad se forjó en una trayectoria vital plagada de enfermedades que le producían un continuo dolor así como en unas relaciones personales con otras personalidades culturales de primer orden. Su obra refleja esa trayectoria vital, su propia fantasía y la tradición popular mexicana, incluida la de los exvotos y también la prehispánica. 

Muerte

Frida Kahlo murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna autopsia. Sus restos fueron velados en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y se cubrió su féretro con la bandera del Partido Comunista Mexicano, un hecho que la prensa nacional criticó profusamente. Su cuerpo fue incinerado en el Crematorio Civil de Dolores y sus cenizas se conservan en la Casa Azul de Coyoacán, el lugar que también la vio nacer.

Su último cuadro también se exhibe en el Museo Frida Kahlo. Se trata de un óleo sobre masonita que muestra varios cortes de sandías en tonos muy vivos. En uno de estos trozos y junto a su firma se puede leer «VIVA LA VIDA. Coyoacán, 1954, México». Las últimas palabras en su diario fueron: "Espero alegre la salida y espero no volver jamás".

Frida y su Influencia en mi vida

Frida Kahlo en un sentido personal es para mi la artista mas inspiradora del siglo XX y la más incomprendida del mismo, tal vez es por el hecho de haber sido una mujer incomprendida en un mundo de hombres incomprendidos, tal vez fue el haber tenido una vida llena de duras pruebas y engaños, tal vez fueron los accidentes o los amantes, pero esta mujer fue una luchadora hasta el final de sus días y es una inspiración de lo que la fuerza representa para la mujer. Ella no temía ser juzgada ni odiada, ella era ella sin importar lo que dijeran los demás y eso desde mi punto de vista, es una forma de ver la vida que toda mujer debe experimentar para sentirse plena y segura de sí.

Creo en Frida como una mujer con agallas que tomaba la vida por los cuernos ante cualquier adversidad, incontrolable y cruda de sentimientos, una mujer cuya vida representa una inspiración para las generaciones posteriores, alguien cuya locura era incomprendible y a la vez totalmente fascinante y hermosa.

Vincent Van Gogh

 La Vida de Vincent

Uno de los artistas más incomprendidos del siglo XIX, Vincent Van Gogh representa la viva encarnación del artista torturado, fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. No llegó a vender más que uno de aquellos centenares de cuadros suyos que actualmente alcanzan desorbitadas cotizaciones en las subastas.
Vincent Willem van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y en su trayectoria artística. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 eran para Theo, las otras son correspondencia con amigos y familiares. Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, a los dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil, una sociedad de comerciantes de arte fundada por su tío Vincent. Más tarde se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra Los Comedores de Patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos terrosos. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores, cuando se trasladó al sur de Francia. consiguió su plenitud durante su estancia en Arlés en 1888. Murió en 1890, En Auvers-sur-Oise, Francia.
La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, considerándose en la actualidad uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.

 La Oreja De Van Gogh

Van Gogh tenía la intención de crear un taller de artistas, y para esto alquiló en mayo la «casa amarilla» (llamada así por tener paredes de ese color) en Place Lamartine situada al norte de la ciudad de Arlés. Theo le envió trescientos francos para poder acondicionar y amueblar modestamente la casa. El único que atendió a su petición del taller fuePaul Gauguin, con el que mantuvo diversas cartas sobre el tema del Atelier du Midi que juntos habrían de fundar y que pedirían la participación deSeurat, Signac y Bernard.

Gauguin fue el que impulsó a Van Gogh para que pintase lugares históricos de Arlés y así trabajaron juntos y pintaron la serie de vistas de Alyscamps. Escogieron diferentes motivos, Gauguin pintó un paisaje con un encanto pintoresco y más bien refinado, mientras que Van Gogh escogió un paseo enmarcado por altos álamos que tenían un color amarillo puro que contrastaba con el verde-azul del cielo. En cambio el color empleado por Gauguin era mucho más tímido. Se pintaron mutuamente, Gauguin pintó de perfil a Van Gogh y éste pintó a Gauguin de espaldas.


Gauguin en sus memorias señala que un día Van Gogh le amenazó y persiguió con una navaja y que por la noche el holandés se automutiló el lóbulo de la oreja izquierda (no la oreja completa). A continuación, Van Gogh habría envuelto el lóbulo en un paño y se habría dirigido a un burdel de Arlés, donde presentó este «regalo» a una prostituta llamada Rachel.

 Al regresar a su casa Van Gogh pintó el Autorretrato con oreja vendada, del que existen dos versiones. Ambos cuadros muestran un vendaje en la parte derecha de la cabeza, y debieron ser pintados delante de un espejo, ya que la oreja herida fue la izquierda^. En uno Van Gogh se representa fumando una pipa para transmitir una sensación de sosiego, en una composición en la que predomina tanto el equilibrio cromático como el equilibrio de los elementos iconográficos^.

Bienvenidos

Este blog fue creado con la finalidad de compartir ideas sobre el arte, llevar a la luz a nuevos y talentosos artistas del siglo XXI y y apreciar obras de los grandes artistas reconocidos del pasado que viven en nuestras memorias hoy en día como los pioneros de las corrientes artísticas.